La MUSICA amansa a las fieras

[ESPAÑOLA] Julio Sosa - Cambalache - TANGO


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Julio Sosa

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Julio Sosa

Información general
Nombre Julio María Sosa Venturini
Alias El Varón del Tango
Nació 2 de febrero de 1926
Origen Uruguay Las Piedras, Canelones, Uruguay
Murió 26 de noviembre de 1964
Argentina Bs.As., Argentina
Género(s) Tango y Milonga
Ocupación(es) Cantante
Instrumento(s) Voz
Tiempo 1947-1964
Relacionado/a con Carlos Gilardoni, Luis Caruso, Emilio D'Amario, Armando Pontier, Enrique Mario Francini, Leopoldo Federico.
Sitio web Julio Sosa en Todotango.com

Julio María Sosa Venturini más conocido como Julio Sosa y apodado El Varón del Tango (Las Piedras, Canelones, Uruguay, 2 de febrero de 1926, - Buenos Aires, Argentina, 26 de noviembre de 1964) fue un cantante de tango que alcanzó la fama en Buenos Aires en las décadas de 1950 y 1960.

Biografía [editar]

Nació en el seno de una familia humilde, hijo de Luciano Sosa, peón de campo, y Ana María Venturini, lavandera. En 1942 se casó, con tan sólo 16 años, con Aída Acosta, de quien se separó dos años más tarde, en 1944. En su juventud, a causa de la pobreza, ejerció varios empleos (popularmente conocidos como "changas").

En 1947, había comenzado su carrera musical como vocalista de la orquesta de Carlos Gilardoni. Se fue a Buenos Aires en 1949. Llegó a triunfar en el Río de la Plata, siendo considerado uno de los cantores de tango más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

Fue bautizado por el periodista Ricardo Gaspari como el Varón del Tango, llamándose así también su primer disco de larga duración. Leopoldo Federico hizo que el cantor se volviera famoso a través de sus composiciones.

En 1958 se casó con Nora Edith Ulfred, divorciándose poco después y poniéndose en pareja con Susana "Beba" Merighi. En el año 1960 escribió su único libro, Dos horas antes del alba.

Sosa tenía una pasión por los autos, y había tenido varios accidentes de tránsito por conducir a desmedida velocidad. Como consecuencia, falleció a los 38 años, a las 9:30 horas del 26 de noviembre de 1964, en un accidente automovilístico ocurrido en la Avenida Figueroa Alcorta de la ciudad de Buenos Aires.

Sus restos fueron velados en el Salón Argentina pero la multitudinaria concurrencia obligó a trasladar los cotejos fúnebres al Luna Park.

Algunos de sus tangos más populares [editar]

  • Justo el 31 (1953)
  • Bien bohemio (1953)
  • Mala suerte (1953)
  • ¡Quién hubiera dicho! (1955)
  • Abuelito (1955)
  • Padrino Pelao (1955)
  • Cambalache (1955)
  • Seis Años (1960)
  • La Cumparsita (por qué canto así) (1961)
  • Rencor (1961)
  • María (1962)
  • Tarde (1962)
  • En esta tarde gris (1963)
  • Nada (1963)
  • Nunca tuvo novio (1963)
  • Qué me van a hablar de amor (1963)
  • Guapo y varón (1964)
  • El firulete (1964)
  • La gayola (1964)

Enlaces externos [editar]


Cambalache

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Cambalache es un tango argentino, compuesto por Enrique Santos Discépolo en 1934 para la película "El alma del bandoneón", estrenada en 1935. El tango es interpretado por Ernesto Famá con el acompañamiento de la orquesta de Francisco Lomuto.

Historia [editar]

La canción, originalmente compuesta durante la Década Infame a la cual denuncia en sus letras, fue prohibida durante todos los Golpes de Estado en Argentina a partir de su creación.

Dicho tango se vio afectado por una resolución del Ministro de educación Gustavo Martínez Zuviría, quien prohibió los voceos y el lunfardo en los tangos. Dicha medida fue derogada por Juan Domingo Perón, luego de una entrevista con el propio Discépolo.

Impacto en la cultura popular [editar]

  • Una de las estrofas más conocidas del tango dice "Igual que en la vidriera irrespetuosa de los cambalaches se ha mezclao la vida, y herida por un sable sin remaches ves llorar la Biblia contra un calefón...". De aquí surge la frase "La Biblia y el calefón", que contrasta un libro de gran valor religioso con un artefacto mundano, la cual es empleada entre otras cosas por un programa de Jorge Guinzburg y un tema con dicho nombre de Joaquín Sabina, incluído en el álbum 19 Días y 500 Noches de 1999.
  • Una de las primeras estrofas del tango dice "¡Siglo XX Cambalache, problemático y febril!". Dicha estrofa motivó el nombre de un programa televisivo de Telefé dirigido por Teté Coustarot, conocido como Siglo XX Cambalache

Otras versiones [editar]

Enlaces externos [editar]

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Cambalache
Tango
1934


Que el mundo fue y será una porquería
ya lo sé...
(¡En el quinientos seis
y en el dos mil también!).
Que siempre ha habido chorros,
maquiavelos y estafaos,
contentos y amargaos,
valores y dublé...
Pero que el siglo veinte
es un despliegue
de maldá insolente,
ya no hay quien lo niegue.
Vivimos revolcaos
en un merengue
y en un mismo lodo
todos manoseaos...

¡Hoy resulta que es lo mismo
ser derecho que traidor!...
¡Ignorante, sabio o chorro,
generoso o estafador!
¡Todo es igual!
¡Nada es mejor!
¡Lo mismo un burro
que un gran profesor!
No hay aplazaos
ni escalafón,
los inmorales
nos han igualao.
Si uno vive en la impostura
y otro roba en su ambición,
¡da lo mismo que sea cura,
colchonero, rey de bastos,
caradura o polizón!...

¡Qué falta de respeto, qué atropello
a la razón!
¡Cualquiera es un señor!
¡Cualquiera es un ladrón!
Mezclao con Stavisky va Don Bosco
y "La Mignón",
Don Chicho y Napoleón,
Carnera y San Martín...
Igual que en la vidriera irrespetuosa
de los cambalaches
se ha mezclao la vida,
y herida por un sable sin remaches
ves llorar la Biblia
contra un calefón...

¡Siglo veinte, cambalache
problemático y febril!...
El que no llora no mama
y el que no afana es un gil!
¡Dale nomás!
¡Dale que va!
¡Que allá en el horno
nos vamo a encontrar!
¡No pienses más,
sentate a un lao,
que a nadie importa
si naciste honrao!
Es lo mismo el que labura
noche y día como un buey,
que el que vive de los otros,
que el que mata, que el que cura
o está fuera de la ley...



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Publicado por Vredondof para ESPAÑOLA el 1/31/2008 05:19:00 PM

[CLASICA] s2t2 -Paul Dukas El aprendiz de brujo -FANTASIA


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Fantasía (película)

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Fantasia
Título Fantasía

Ficha técnica
Dirección James Algar
Samuel Armstrong

Producción Walt Disney
Ben Sharpsteen

Reparto Leopold Stokowski (Director)
Deems Taylor (Narrador)
Julietta Novis (Solista Ave Maria)
Walt Disney (Mickey Mouse)
James McDonald (Percusionista)
Paul J. Smith (Violinista)

Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 1940
Género Animación
Fantasía
Musical
Duración 120 min EE.UU.:124 min (versión restaurada) EE.UU.:80 min (versión recortada)

Compañías
Productora [[Disney]]

Ficha en IMDb

Fantasía es una película de animación del año 1940 dirigida por James Algar y Samuel Armstrong.

Fantasía tiene un alto grado de experimentación, y se la puede considerar animación experimental. Si hubiera sido lo suficientemente exitosa, posiblemente Walt Disney no se habría volcado exclusivamente a las películas para niños.

Fue el primer film importante en tener sonido estereofónico, para lo que el estudio ideó un proceso que dio en llamar Fantasound.

Para una de las piezas, Walt Disney convocó al animador independiente Jules Engel. Engel tuvo varias confrontaciones con Disney.

En 1999 se estrenó Fantasía 2000, una versión actualizada con nuevos temas de música clásica e historias.


Episodios [editar]

Fantasía se compone de siete episodios, acompañados por ocho obras de música clásica:

  1. Juego de luces y música, sin figuras. (Tocata y fuga en Re menor de Bach)
  2. Historia primaveral donde los protagonistas son flores y plantas. (El Cascanueces de Piotr Ilich Chaikovski)
  3. El aprendiz de mago, interpretado por Mickey Mouse. Mickey es un aprendiz de mago, y arma un tremendo desastre en el castillo de su maestro cuando éste lo deja solo. (El aprendiz de mago de Paul Dukas)
  4. La creación del mundo. (La consagración de la primavera de Igor Stravinski)
  5. Inspirada en el Olimpo griego, en la que aparecen centauros, dioses, semidioses y faunos. (Sexta sinfonía ("Pastoral") de Ludwig van Beethoven)
  6. Divertimento de baile entre hipopótamos y cocodrilos. (Danza de las horas de la ópera La Gioconda de Ponchielli)
  7. Final. (Una noche en el Monte Calvo de Modest Mussorgsky y Ave María de Franz Schubert)

Historia de sus lanzamientos [editar]

Fantasía se estrenó en el año 1940, en un número limitado de salas. La última secuencia en finalizarse (un largo paneo del episodio Ave María), fue capturada el mismo día del estreno, y enviada en avión a Nueva York para ser montada unas pocas horas antes. Al principio se proyectó sólo en doce salas, debido al equipamiento de audio necesario para reproducir el Fantasound. Fantasía fue un fracaso financiero, lo que hizo que la próxima película del estudio, Dumbo, tuviera un presupuesto reducido.

Desde el 19 de enero de 1941 la RKO comenzó a encargarse de la distribución de la película. Para hacer posible una mejor distribución, se convirtió la banda sonora Fantasound al convencional sonido monofónico.

A finales de 1941, la RKO redujo la duración de la película de 125 minutos a 81, eliminando el segmento Tocata y Fuga en D menor y reduciendo la secuencia de acción en vivo de Deems Taylor todo lo posible. Esta versión fue lanzada internacionalmente, y no fue bien recibida por el público en general.

Fantasía fue editada una vez más en 1946, devolviéndole el episodio de Tocata y Fuga. Esta es la versión más conocida, retiene toda la animación original, pero omite algunas partes de acción en vivo.

En 1956 se le devolvió a la película el sonido Fantasound, en cuatro canales de sonido estéreo SuperScope (compatible con Cinemascope). Pero el formato de la imagen fue cambiado, recortando las porciones superior e inferior para proyectarse en pantalla ancha.

Hubo otro relanzamiento en 1969, dado que la moda del momento la hizo muy popular, y hasta se diseñó un póster psicodélico para la campaña. Este nuevo lanzamiento fue un gran suceso, y el primero en causar buenos ingresos. También se le recortó un episodio completo, que de acuerdo a Memory Hole, contenía un estereotipo racial: una centauro rubia y blanca era "servida" por una centauro negra.

Para 1982, debido al avance de la tecnología, Disney decidió lanzar Fantasía una vez más para innovar de nuevo en el sonido. Se convirtió así en la primer película en tener sonido estéreo digital. También se le hicieron algunos cambios de edición. Ésta es la versión relanzada numerosas veces en los años 1980.

En 1990, por el 50 aniversario, Walt Disney Pictures decidió relanzarla con la banda sonora original en Fantasound, con todos los elementos originales que todavía se hallaban disponibles, restituyendo casi completamente la versión de 1946. Tanto el audio como el vídeo fueron remasterizados digitalmente. El agregado más importante fue una secuencia de clausura para los créditos, que jamás se había publicado.

Finalmente, en conmemoración del 60 aniversario en el año 2000, se hizo un relanzamiento en DVD restaurando las escenas de acción en vivo interpretadas por Deems Taylor, que habían sido cortadas en 1942 y 1946. Se le devolvió así su duración original de 124 minutos. Sin embargo, el sonido de las partes cortadas no pudo restaurarse, y debió ser doblada por el actor de voz Corey Burton. A pesar de promocionarse como "la versión original sin cortes", se ocultó a la centauro polémica en partes de La sinfonía de Beethoven nro. 6, haciendo zoom para evitar mostrarla.

Banda sonora [editar]

Las piezas fueron interpretadas por la Orquesta sinfónica de Philadelphia y dirigida por Leopold Stokowski. Los temas son:

Las dos últimas piezas forman un todo en la séptima y última historia.

Premios [editar]


Véase también [editar]

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Paul Dukas

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Paul Dukas
Paul Dukas

Paul Dukas, compositor francés de la escuela impresionista, nacido en París el 1 de octubre de 1865 y muerto en la misma ciudad el 17 de mayo de 1935.

Empezó a tocar el piano a los 5 años pero no sintió verdaderamente su vocación hasta los 14.

En 1881 ingresó en el Conservatorio de París en la clase de armonía de Théodore Dubois. De esta época proceden algunas páginas inéditas: un Air de Clytemnestre (1882) y una Ouverture du Roi Lear (1883). En 1884 escuchó por primera vez en la orquesta su Ouverture pour Götz von Berlichingen. Al año siguiente fue admitido como alumno de composición de Ernest Guiraud y en 1886 obtuvo un 1º Premio de contrapunto y fuga. En 1888 consiguió el primer segundo Premio de Roma por su Cantata Velléda, pero le negaron el primer Gran Premio al año siguiente, entonces abandonó el conservatorio y se dedicó seriamente a su trabajo.

Escribió también muchos artículos en revistas, que fueron reunidos en 1948 bajo el título Escrits sur la musique de Paul Dukas.

Fue amigo y consejero de Isaac Albéniz.

Antes de morir en Paris, quemó parte de su obra.



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Publicado por Vredondof para CLASICA el 1/30/2008 09:29:00 AM

[MODERNA] Status Quo - In The Army Now



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Status Quo

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Status Quo
Información general
Origen Inglaterra
Género(s) Hard Rock
Tiempo 1962-actualidad
Discográfica(s) Pye Records
Vertigo Records
Pplydor
Eagle Records
Sanctuary Records
Fourth Chord Records
Sitio web [1]
Miembros
Francis Rossi
Rick Parfitt
Andy Brown
John Edwards
Matt Letley
Otros miembros
John Coghlan
Alan Lancaster
Pete Kircher
Jeff Rich
Roy Lynes

Para la frase latina, véase: Statu quo

Status Quo es una banda británica de Hard Rock formada en el año 1962. Está formada por Francis Rossi (guitarra, vocalista), Alan Lancaster (bajo), Rick Parfitt (guitarra, vocalista) y John Coghlan (batería).

Historia [editar]

Durante las últimas cuatro décadas, Status Quo ha construido y difundido una singular forma de hacer rock and roll sin dejar que el tiempo ni el mercado les arrebate su esencia. Los avatares de las modas, que hacen que súbitamente aparezcan y desaparezcan canciones, grupos e incluso estilos musicales (o al menos etiquetas de la industria para éstos) no han conseguido que Status Quo haya modificado ni un ápice su discurso, su estilo ni su espíritu. El registro de la propia banda indica que a partir de su primer gran éxito en 1968, se inició una carrera que hasta la fecha contabiliza 50 éxitos, más que ningún otro grupo. Los Rolling Stones y Los Beatles lo intentaron, pero sólo Status Quo puede decir que ha conquistado esta meta, haciendo que sus singles hayan permanecido semanas completas en las listas británicas.

Esa determinación por crear y mantener un grupo de rock logró que afrontaran la Psicodelia de los 60's y el Rock Progresivo al comienzo de los 70's; la ola de Punk a finales de la década, la entrada en escena del primer metal de la mano de la NWOBHM, y las subsiguientes de Power, Thrash y demás; y la incursión del romanticismo electrónico y el boom AOR a finales de los 80's (que no es otra cosa que el Hard Rock americano); a la llegada a Europa del Grunge, al Brit Pop y la cruzada del Dance de los 90's... Incluso, ahora en la puerta del siglo XXI, Status Quo continúa desarrollando su papel sin modas y está dispuesto a establecer una nueva fórmula para hacer rock.


En 1982, ellos fueron el primer grupo de rock invitado a ofrecer un concierto para la Fundación HRH Prince 's Trust del Príncipe Carlos, y además fueron los únicos en repetir su hazaña al ser el único grupo en presentarse en ese escenario durante dos años consecutivos. En 1985 Bob Geldof les llamó para su festival Live Aid, porque "quería una banda de rock inglesa muy distintiva, una leyenda de la música, que fuera muy especial para inaugurar el festival y que además sus fans se pudieran contar por millones en todo el mundo". A lo largo de su historia, Status Quo ha aparecido en el programa semanal Top Of The Pops de la BBC de Londres (algo así como Música Uno, pero con más presupuesto, caché, audiencia, historia y, por supuesto, calidad) más de cien veces, mucho más que cualquier otro grupo. También han conseguido altísimas ventas de discos, rebasando los más de 130 millones de copias vendidas por todo el planeta. En 1986, actuaron en tres diferentes escenarios situados en tres continentes distintos en menos de 24 horas. En septiembre de 1991, Quo fue homenajeado al ser incluido en El Libro Guiness De Los Récords por haber visitado cuatro ciudades de las Islas Británicas en menos de 12 horas.

Ahora, en este nuevo siglo Status Quo entra con gran solidez a la quinta década y la banda continúa presentándose a grandes festivales, además de que para finales de año se espera la edición de su nuevo material, que una vez más probará el poder y la pasión que tiene cada integrante del grupo al hacer su música, pese a que algunos de ellos son relativamente nuevos. En lo que se refiere al ejército de seguidores de Status Quo en todo el mundo, se proclaman la Quo Army, seguidores de la banda que nos recuerda que ellos serán la leyenda más famosa del rock. En 2006 han celebrado sus 40 años de carrera, todo un record.

Discografía [editar]

  • 1968 Picturesque Matchstickable Messages From Status Quo
  • 1969 Spare Parts.
  • 1970 Ma Kelly's Greasy Spoon.
  • 1971 Dog of Two Head.
  • 1972 Piledriver.
  • 1973 Hello!
  • 1974 Quo.
  • 1975 On the Level.
  • 1976 Blue for You.
  • 1977 Live.
  • 1977 Rockin' All Over the World.
  • 1978 If You Can't Stand the Heat.
  • 1979 Whatever You Want.
  • 1980 Just Supposin'.
  • 1981 Never Too Late.
  • 1982 1+9+8+2.
  • 1982 From The Makers Of.
  • 1982 Live at the NEC.
  • 1983 Back To Back.
  • 1986 In the Army Now.
  • 1988 Ain't Complaining.
  • 1989 Perfect Remedy.
  • 1991 Rock ´Til You Drop.
  • 1992 Live Alive Quo.
  • 1994 Thirsty Work.
  • 1996 Don´t Stop.
  • 1999 Under the Influence.
  • 2000 Famous in the Last Century.
  • 2002 Heavy Traffic.
  • 2004 Riffs
  • 2005 The Party Ain't Over Yet.
  • 2007 In Search Of The Fourth Chord.

Enlaces externos [editar]



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Publicado por Vredondof para MODERNA el 1/27/2008 03:17:00 PM

[ESPAÑOLA] Nino Bravo - Al Partir


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Nino Bravo "Un beso y una flor".

Nino Bravo

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Nino Bravo
Información general
Nombre Luis Manuel Ferri Llopis
Nació 3 de agosto de 1944
Origen Aielo de Malferit, Comunidad Valenciana (España)
Murió 16 de abril de 1973 (28 años)
Género(s) Canción ligera.
Ocupación(es) Cantante
Instrumento(s) Voz
Relacionado/a con Los Supperson
Sitio web Página oficial

Luis Manuel Ferri Llopis, de nombre artístico era Nino Bravo, (Aielo de Malferit, Valencia, 3 de agosto de 1944 - † Villarrubio (N-III), Cuenca, 16 de abril de 1973), fue un cantante español.

Biografía [editar]

Nació en un pequeño pueblo valenciano, Aielo de Malferit, pero se trasladó a Valencia a los pocos años. A los 16 años comenzó a trabajar en la joyería valenciana Casa Amat, en la que llegó a ser ascendido hasta maestro pulidor de diamantes.

Durante estos años compagina el trabajo con su afición al canto, fundando a finales de 1962 el conjunto "Los Hispánicos" con sus amigos Félix Sánchez y Salvador Aranda. El trío musical se hizo muy popular en el barrio de Sagunto, donde actuaron en numerosas presentaciones falleras, bailes y verbenas de la época, llegando a quedar finalistas en el concurso radiofónico nacional "Fiesta en España". Sin embargo, sus compañeros de grupo deciden que el mundo de la música no es lo suyo y disuelven el conjunto.

Luis Manuel no se da por vencido y crea el quinteto "Los Superson" junto con Salvador Pelejero, Vicente López y los hermanos Pepe y Vicente Juesas. Este conjunto será el que le acompañará en todas sus actuaciones hasta el final de su carrera artística. Sin embargo, deben hacer un paréntesis en sus actuaciones por el servicio militar de Luis Manuel, que cumple en la Marina de Cartagena. A su regreso se emplea en una oficina, y realiza su presentación como cantante solista en el Festival de la Canción de Vall d'Uxò en 1968.

Realizó sus primeras galas y un recital en el Teatro Principal de Valencia que sólo le reportaron pérdidas. Posteriormente, la casa discográfica Fonogram le contrató por 4 años. Su primer sencillo se grabó con canciones de Manuel Alejandro: Como todos y Es el viento. Acude al festival de la canción de Barcelona con el tema No debo pensar en ti, donde fue eliminado.

Pero en el verano de 1969, Augusto Algueró le dio Te quiero, te quiero, canción que por distintas causas, aún teniéndola grabada el cantante Raphael y la cantante Lola Flores, no salieron al mercado. Nino consiguió con ella un éxito arrollador siendo elegida canción del verano. A Te quiero, te quiero le siguieron Noelia, Perdona, Mi gran amor, Esa será mi casa, Mi querida mamá, Voy buscando, Un beso y una flor, Libre, entre otras.

Toma parte en la selección para el Festival de Eurovisión en dos ocasiones. La primera es en 1970 con el tema Esa será mi casa, que no consigue pasar a la final donde ganó Julio Iglesias con Gwendolyne (como curiosidad los temas son cantados por dos intérpretes, Esa será mi casa es interpretado también por Franciska). La segunda y más recordada es actuando en el programa de Valerio Lazarov Pasaporte a Dublín, donde queda en segunda posición. La cantante Karina fue la elegida.

El 20 de abril de 1971 contrae matrimonio en secreto con María Amparo Martínez Gil. Luego viaja a Buenos Aires donde actúa en el canal 9 de esa ciudad, en un programa especial, junto con el cantante de tangos Argentino Ledesma; fue la única vez que se juntaron estos dos artistas.

El 24 de enero de 1972 nace su primera hija, a la que pone el mismo nombre que su madre. Poco después edita su tercer álbum, titulado "Un beso y una flor", con el que obtiene gran éxito en España e Hispanoamérica.

En noviembre de 1972 participa en el Festival de la Canción de Río de Janeiro como representante español, donde logra empatar en el primer puesto con David Clayton-Thomas (Estados Unidos). La victoria le sería arrebatada injustamente por el presidente del jurado, Joseph Lee Zhito, que, al ser estadounidense, no podía votar por su propio país. Semanas después sale a la venta su cuarto álbum, titulado "Mi tierra", en el que se incluye uno de sus principales hits: "Libre".

El 14 de marzo de 1973 realiza su última actuación en Valencia, dentro del Parador 73 de las conocidas Fallas Valencianas. Allí canta, por primera y única vez, el Himno de Valencia ayudado por el público asistente. Los granadinos Jardines de Neptuno acogerían poco después la que sería la última actuación del intérprete valenciano.

El 16 de abril de 1973, Nino Bravo, acompañado de su guitarrista Pepe Juesas y del Dúo Humo, sufrió un accidente de carretera fatal cuando viajaba de Valencia a Madrid por motivos profesionales en el término de Villarrubio, en la comarca de Tarancón, Provincia de Cuenca. Tenía 28 años, y esperaba un nuevo hijo de su esposa. El 27 de noviembre de 1973 nacería Eva, la hija que no llegaría a conocer a su padre.

De Manolito a Nino Bravo
De Manolito a Nino Bravo

Tras su muerte aparece un disco póstumo, titulado "...Y Vol. 5", que incluye diez canciones grabadas semanas antes de su fallecimiento. Entre ellas se encuentra "América, América", que se convirtió en todo un himno para sus admiradores americanos y en uno de sus grandes éxitos.

La figura de Nino Bravo reapareció con fuerza en el panorama musical de habla hispana en 1995, cuando se editó el álbum "50 Aniversario". En esta producción discográfica se realizaron, gracias a la técnica, duetos entre el desaparecido artista y cantantes de éxito actuales. Pronto se convirtió en el disco de más éxito del valenciano, cuyas ventas se estiman en más de un millón de copias.

A raíz de la aparición de Internet, sus admiradores han realizado diversas propuestas, tales como la organización del Primer Encuentro de Fans, Amigos y Familiares de Nino Bravo, o el apoyo a la creación del Museo Nino Bravo en Aielo de Malferit, su localidad natal. En la actualidad, se están realizando gestiones para crear su Club de Fans Oficial, que llevará por nombre "Volver a empezar" como homenaje al club original que se extinguió con el fallecimiento del cantante.

En diciembre de 2007, se ha publicado en Valencia (España) el libro titulado "De Manolito a Nino Bravo", escrito por Boro Aranda, en el que se cuenta la verdadera historia del origen y principio musical de Nino Bravo, en el primer grupo, Los Hispánicos, que formaron Manuel Ferri, Salvador Aranda y Félix Sánchez. Ediciones Generales de la Construcción. Valencia. 2007. ISBN 978-84-935157-7-3.Media:Los Hispánicos (cover recreation).jpg

Discografía [editar]

  • 1970 Nino Bravo (Lanzado semanas después como "Te Quiero, Te Quiero)
  • 1971 Nino Bravo (Edición Especial Círculo de Lectores)
  • 1971 Nino Bravo (Rebautizado en 1995 como "Puerta De Amor")
  • 1972 Un Beso y una flor
  • 1972 Mi Tierra
  • 1973 ... Y Vol. 5 (Rebautizado en 1995 como "América, América")
  • 1973 Nino Bravo (Edición Especial Círculo de Lectores)
  • 1973 Nino Bravo (Edición Especial DiscoLibro)
  • 1973 Los Artistas Españoles A Nino Bravo (Concierto-Homenaje)
  • 1974 Nino Bravo (Edición Especial Círculo de Lectores)
  • 1974 Nino Bravo (Recopilación Círculo de Lectores)
  • 1975 Lo Mejor de Nino Bravo
  • 1976 Nino Bravo (Super 20)
  • 1980 La Voz De Nino Bravo (Con nuevos arreglos de Luis Cobos)
  • 1981 El Ayer de Nino Bravo
  • 1981 Tus Canciones Favoritas "Quién Eres Tú" (Incluye tema inédito)
  • 1983 Los Grandes Éxitos de Nino Bravo, Vol. 6
  • 1985 Érase Una Vez... Nino Bravo
  • 1988 Nino Bravo (Reedición de "Érase Una Vez...")
  • 1990 30 Grandes Éxitos Originales
  • 1992 Nino Bravo (Recopilación Planeta Agostini)
  • 1995 50 Aniversario (Duetos con artistas nacionales)
  • 1995 Aniversario 1945-1995 (Digitalización de "La Voz De Nino Bravo")
  • 1997 Duetos 2
  • 2002 Esta Será Mi Casa Y Otros Grandes Éxitos
  • 2002 Homenaje A Nino Bravo (Triple CD Conmemorativo MovieMusic)
  • 2003 Sus Tres Primeros Lp's (Edición de Rama Lama Music)
  • 2003 Todo Nino, La Obra Completa De Nino Bravo
  • 2004 Colección Universal.es (Reúne sus 3 últimos discos)
  • 2005 Éxitos (Edición de Nhoa Music)
  • 2005 N1NO, Todos Los Números 1 De Nino Bravo (Recopilación con canción inédita "Sin darte cuenta", remixes y DVD con videoclips y presentaciones televisivas )
  • 2005 Éxitos, Vol. 2 (Edición de Nhoa Music)
  • 2006 N1NO, Todos Los Números 1 de Nino Bravo (Reedición sin DVD)

Las canciones que grabó, ordenadas alfabéticamente [editar]

Desde mediados de 1969 hasta abril de 1973, Nino Bravo grabó 61 canciones que se han convertido en clásicos románticos por excelencia. Dos de aquellos temas, grabados en su primera época y archivados por la discográfica, aparecieron de forma póstuma dos años después de su muerte: "Te amaré" y "Quién eres tú". En 2005 salió a la luz otra canción inédita, "Sin darte cuenta", que quedó grabada en forma de maqueta. También existen temas homenaje, como el compuesto por Juan Carlos Calderón para el disco "Duetos 2" que, bajo el título "Dicen", fue interpretado por artistas como Eva Ferri, María Conchita Alonso, Marcos Llunas, Sandra Morey o Jacobo Calderón. La lista completa de todos los temas que grabó e interpretó es la siguiente:

Amanecer / América, América / Arena de otoño / Aquel amor / Aquel atardecer / Cantaré / Carolina / Cartas amarillas / Como todos / Contigo soy feliz / El adiós / El amor / Elizabeth / El tren se va / En libertad / Eres todo cuanto quiero / Esa será mi casa / Ese hombre / Es el viento / Flor de invernadero / Gracias a ti / Hoy soy feliz / Hoy te quiero ofrecer / La niña es ya mujer / Laura / Libre / Mi gran amor / Mi mundo está vacío / Mi querida mama / Mis noches sin ti / Mi tierra / Mona Lisa / Ni el viento ni el tiempo / No debo pensar en ti / Noelia / Nuestro hogar será el mundo / Para darte mi corazón / Para qué seguir / Perdona / Pintaré tu color / Por culpa tuya / Por fin mañana / Por fin mi amor / Por qué / Puerta de amor / Quién eres tú / Señora, señora / Sin darte cuenta / Te acuerdas, María / Te amaré / Te quiero, te quiero / Tú cambiarás / Un beso y una flor / Vete / Vivir / Volver a empezar / Voy buscando / Vuelve / Vuelvo a estar sin ti / Yo no sé por qué esta melodía / Yo te quiero dar

Bibliografía [editar]

  • "Nino Bravo, historia de un hombre bueno"

Autor: Guillermo J. Ortigueira / España, 1973 / Pub: Editorial J. Domenech

  • "Memoria viva de Nino Bravo"

Autor: Darío Ledesma, Francisco J. Fuentes, Isaac Guerrero, Isabel Juan / España, 2003 / Pub: Ayuntamiento de Aielo de Malferit

  • "Llibret fallero 2004 - Homenaje a Nino Bravo"

Autor: Pere Delmonte i Hurtado, Ximo Moragues / España, 2004 / Pub: Falla El Charco de Catarroja

  • "Nino Bravo... Y la voz se hizo mito"

Autor: Guillermo J. Ortigueira / España, 2007 / Pub: Carena Editors

  • "De Manolito a Nino Bravo: Las historias jamás contadas"

Autor: Boro Aranda / España, 2007 / Pub: Ediciones Generales de la Construcción

Enlaces externos [editar]



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Publicado por Vredondof para ESPAÑOLA el 1/10/2008 02:47:00 PM

[MODERNA] Enigma, The Eyes of Truth

Song by Enigma, new age rock, music of the future



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Publicado por Vredondof para MODERNA el 1/24/2008 01:54:00 PM

[CLASICA] s2t2 -Narciso Yepes - Concierto de Aranjuez

Narciso Yepes - Concierto de Aranjuez (1)



Narciso Yepes - Concierto de Aranjuez (2)



Narciso Yepes - Concierto de Aranjuez (3)



Narciso Yepes
De Wikipedia, la enciclopedia libre

Narciso Yepes, (Lorca, Murcia, 14 de noviembre de 1927 - † Murcia, 3 de mayo de 1997). Guitarrista clásico español. Está considerado como uno de los principales concertistas mundiales del siglo XX.

Yepes fue un maestro de la guitarra clásica. Cuando cumplió los 13 años comenzó a estudiar en el Conservatorio de Valencia, con Vicente Asencio (famoso pianista de la época)

En 1947 reprodujo el Concierto de Aranjuez (del maestro Joaquín Rodrigo), bajo las órdenes del director Ataúlfo Argenta. En 1952 rescató y recompuso una canción tradicional para guitarra Romance (anónimo), que fue pieza musical de la película Juegos prohibidos.

En 1964 Yepes crea la guitarra de 10 cuerdas, que obtenía sonidos armónicos por simpatía, y que facilitaba tocar piezas de música barroca (originalmente escritas para laúd).

En 1958 se casa con una joven polaca, estudiante de filosofía, llamada Marysia Szummakowska, con la que tuvo tres hijos: Juan de la Cruz (muerto en accidente), Ignacio Yepes (director de orquesta) y Ana Yepes (bailarina).

A partir de 1993, Narciso Yepes empezó a limitar sus apariciones públicas, debido a problemas de salud. Su último concierto fue en Santander, el 1 de marzo de 1996. Su gran trayectoria musical le hizo merecedor de multitud de premios y menciones.

Murió en 1997 a causa de un cáncer linfático.
Tabla de contenidos
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* 1 Distinciones
* 2 Discografía
o 2.1 Para guitarra y orquesta
o 2.2 Solo guitarra
* 3 Vease también
* 4 Grabaciones
o 4.1 Concierto de Aranjuez de Rodrigo
o 4.2 Concierto de Homenaje de Andrés Segovia en 1987
+ 4.2.1 Fantasía para un gentilhombre de Rodrigo
+ 4.2.2 Concierto nº 1 en Re mayor, op. 99 de Castelnuovo-Tedesco
+ 4.2.3 Concierto del Sur de Ponce
+ 4.2.4 Recuerdos de la Alhambra
* 5 Enlaces externos

Distinciones

* 1964
o Hijo Predilecto de la Ciudad de Lorca
o Laurel de Murcia
* 1977
o Doctor Honoris Causa por la Universidad de Murcia
o Académico de Número y Honor de la Real Academia de Alfonso X El Sabio de Murcia
* 1978
o Hijo Predilecto de Murcia
* 1984
o Premio de la Sociedad General de Autores de España
* 1985
o Premio de Radiotelevisión Española
* 1986
o Premio Nacional de Música
o Consejero del Consejo Superior de Cultura y Bellas Artes
o Académico de Número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
o Medalla de Oro de Lorca

Discografía

Para guitarra y orquesta

1. S.Bacarisse: "Concertino in the minor". Ernesto Halffter: "Concierto para guitarra y orquesta". Con la Orquesta sinfónica de RTVE, Odón Alonso.
2. Mauricio Ohana: "Tres gráficos".
3. A. Ruiz Pipó: "Tablas".
4. Con la Orquesta sinfónica de Londres, Rafael Frühbeck de Burgos.
5. Joaquín Rodrigo: "Concierto de Aranjuez" y "Fantasía para un Gentilhombre". Con la Orquesta sinfónica de RTVE, Odón Alonso.
6. Antonio Vivaldi: "Concierto en RE mayor"; Manuel Palau: "Concierto levantino". Con la Orquesta nacional, Odón Alonso.

Solo guitarra

1. Cinco siglos de guitarra:
1. L. de Milan: "Seis pavanas".
2. L. de Narváez: "Canción del emperador y diferencias".
3. D.Pisador: "Pavana y Villanesca".
4. G.Sanz: "Suite española".
5. A.Soler: "Dos Sonatas".
6. Albéniz: "Malagueña".
7. Fault: "Homenaje a Debussy".
8. Halffter: "Madrigal".
9. M. Torroba: "Madroños".
10. Montsalvatge: "Habanera".
11. Ohana: "Tiento".
2. Fernando Sor: "24 estudios".
3. H.Villalobos: "12 estudios y 5 preludios"
4. Bach: "Preludio", "Chacona en RE menor", "Zarabanda y Doble"; S.L.Weiss: "Fantasía en MI menor y Suite en MI mayor".
5. Música iberoamericana:
1. H.Ayala: "Suite".
2. Bacarisse: "Suite".
3. Poulenc: Zarabanda.
4. Asencio: "Homenajes".
5. Gombau: "Tres piezas de la Belle Époque".

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Publicado por Vredondof para CLASICA el 1/22/2008 04:55:00 PM

[LA ZARZUELA] Las Tres Sopranos

Las Tres Sopranos y la Zarzuela 2


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Publicado por Vredondof para LA ZARZUELA el 1/21/2008 01:49:00 PM

[MODERNA] Frank SINATRA -New York New York



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Frank Sinatra

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Engranajes

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Frank Sinatra

Frank Sinatra en 1960
Nombre real Francis Albert Sinatra
Nacimiento 12 de diciembre de 1915
the United States Hoboken, New Jersey, Estados Unidos
Defunción 14 de mayo de 1998
Los Angeles, California, EE.UU.
Sitio web FrankSinatra.com
Ficha en IMDb

Francis Albert Sinatra (New Jersey, 12 de diciembre de 1915 - Los Angeles, 14 de mayo de 1998), más conocido como Frank Sinatra, fue un cantante y actor estadounidense. La popularidad de Sinatra fue prácticamente constante a lo largo de toda su vida aunque fueron los años cuarenta y cincuenta los más exitosos, siendo esta última década, con su producción discográfica para la compañía Capitol, la considerada como su etapa de mayor calidad artística como cantante.

Su repertorio se basó en la obra de los más importantes compositores populares estadounidenses, como Jimmy Van Heusen, Cole Porter, Sammy Cahn o George Gershwin, y su estilo sintetizó, ya en sus orígenes, quince años de influencias mutuas entre la música de inspiración jazzística y la música pop que empezaba a difundirse a través de la radio.[1]

Técnicamente, se caracterizó por su cuidada precisión en el fraseo y su dominio del control de la respiración. El rango de su voz estaba próximo al de barítono.[2] Su categoría artística radica en su capacidad interpretativa para transmitir las emociones y sentimientos implícitos en las letras de las canciones.[3]

En Sinatra, cualquier tipo de consideración vocal e, incluso, musical, resultan secundarias respecto de la que es su misión principal: contar una historia de la forma más expresiva posible..[4]

A Sinatra se le reconoce históricamente el haber sido el primer cantante que hace un uso consciente de los medios de amplificación del sonido con el objeto de situar su voz por encima del sonido de la orquesta (dominadora de la música popular estadounidense de principios del siglo XX) y para aproximarla a la intimidad del oído del oyente.[5]

Como actor, Sinatra fue un artista de tipo intuitivo, reacio a someterse a los ensayos y repeticiones habituales en una grabación, por lo que sus interpretaciones fueron emocionalmente intensas al tiempo que irregulares. La importancia en su vida de su trabajo actoral fue capital; por ejemplo fue precisamente a través de su papel en De aquí a la eternidad como logró salir de un bache personal y artístico en el tránsito de los años cuarenta a los cincuenta para encumbrarse en lo más alto de la popularidad, además de ganar por su interpretación el Oscar al mejor actor secundario.

A lo largo de su carrera profesional, Sinatra grabó más de 1.300 canciones y participó en más de cincuenta películas. Recibió multitud de premios y homenajes, entre los que se cuentan diez Grammys, el Premio de la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación y la Medalla de la Libertad del gobierno estadounidense.

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Reseña biográfica [editar]

1915-1939 [editar]

Frank Sinatra nació en un barrio de clase media de la ciudad de Hoboken (New Jersey) el 12 de diciembre de 1915, en el seno de una familia de inmigrantes italianos. La familia de su madre, Natalie Della Agravantes, Dolly, era de origen genovés y la de su padre, Anthony Martin Sinatra, provenía de Sicilia. Su madre, que fue portavoz de distrito del Partido Demócrata, trabajó como comadrona y en varias ocasiones estuvo en la cárcel por practicar abortos ilegales.[6] . Su padre era propietario de una taberna que atendía por la noche, ya que de día trabajaba como bombero. Se casaron, con la oposición de la familia de ella, el 14 de febrero de 1913.

Dolly dio a luz a su único hijo en un parto traumático tras el que quedó imposibilitada para tener más hijos y que casi acaba con la vida del niño, al que los fórceps empleados le dejaron un tímpano perforado y una cicatriz detrás de la oreja izquierda. Tras recuperarse los dos, Francis Albert fue bautizado en abril de 1916.

Durante su infancia y adolescencia, Frank desarrolla dos facetas características de su futura personalidad: un carácter, recordaban sus maestros, fanfarrón y revoltoso, ayudado por su afición al boxeo heredada de su padre, que había sido boxeador profesional; y su afición por la música, que comenzó entonando canciones acompañado de un ukelele. La mezcla de ambos rasgos llevó a Frank a intentar imitar, tanto en el estilo como en la forma de vestir, a los grandes cantantes del momento, como Bing Crosby, su principal modelo, o Al Jolson. Sinatra destacaría posteriormente como amistad influyente en sus primeros años la de una anciana mujer judía, Mrs. Golden, a la que consideraba casi como una madre, ya que su verdadera madre se ausentaba con frecuencia del hogar debido a su constante actividad socio-política. De esa mujer, el cantante habría aprendido yidis, idioma que conocía mejor que el italiano.

En su juventud, el atletismo y sobre todo la natación fueron parte de sus aficiones favoritas. Sin embargo, nunca mostró mucho interés en en los estudios, ausentándose de clase con frecuencia. Asistió al instituto A.J. Demarest pero lo abandonó en 1931 sin graduarse y comenzó a trabajar como vendedor de periódicos en el Jersey Observer, con su padrino. En esa época tuvo una vida de pandillero que le llevó a varios encontronazos con la policía y trabajó en diversos oficios, como camionero, recadero o cronista deportivo en un periódico, lo que le proporcionaba los ingresos suficientes para comprarse ropa y ahorrar para poder comprarse un coche.

En 1932 conoció a Nancy Barbato, que se convertiría en su mujer en 1938. Con ella vió actuar en 1933 a Bing Crosby en la que sería su última aparición sobre un escenario. Ambos cantantes se conocerían personalmente diez años después, en septiembre de 1943.

Su participación en el concurso radiofónico Major Bowes Amateur Hour, tras haber cantado en distintos bares, le ayudó a comenzar su carrera artística. Se presentó acompañando al trío Three Flashes, que para la ocasión se hicieron llamar Hoboken Four, y ganaron el primer premio, lo que les llevó a una gira patrocinada por el programa. No obstante, por desavenencias con el resto de sus compañeros, a los tres meses Sinatra abandonó la gira y regresó a casa.

Fue en esa época cuando, a pesar de su enorme admiración por él, empezó a esforzarse en sonar diferente de Crosby con la idea de destacar entre los demás cantantes. El principal problema técnico al que tuvo que hacer frente fue el de la falta de potencia en su voz, ya que no sabía proyectarla. No obstante, su experiencia radiofónica le enseñó que podía hacerse oír cómo y dónde quisiera gracias al micrófono, al que convertió en su principal aliado para, a través de la radio, hacerse popular por todos los Estados Unidos en un breve tiempo.

Comenzó a dar conciertos y en 1939 entró como vocalista en la orquesta de Harry Arden, lo que le permitió salir en antena todas las noches gracias a una emisora de Nueva York, que radió sus conciertos dese bares y restaurantes de carretera. Su talento fue pronto reconocido por Harry James, el famoso trompetista de la orquesta de Benny Goodman, que estaba formando su propio grupo, al que le invitó a participar como vocalista. Dado que el protagonismo en la orquesta lo tenía James, Sinatra tuvo que utilizar sus dotes de autopropaganda para llamar la atención de críticos y espectadores, desarrollando la que se convertiría en una de sus características personales más relevantes como artista: su absoluta confianza en sí mismo y en su talento. A pesar del éxito popular, la orquesta tuvo problemas financieros y estuvo a punto de disolverse. Fueron meses duros para Sinatra y para su mujer, quien le seguía en la gira, aun estando ya embarazada.

1940-1953 [editar]

Sinatra terminó por ser contratado por Tommy Dorsey, que buscaba un vocalista para sustituir a Jack Leonard. Las palabras de Sinatra sobre la influencia de Dorsey en su estilo son significativas: "lo aprendí todo sobre la dinámica, el fraseo y el estilo por la forma en que tocaba su trompeta. Tommy Dorsey fue para mí un verdadero maestro tanto en la música como en el negocio, en todos los aspectos".

El primer número 1 de Sinatra en la revista Billboard lo consiguió en 1940 con su interpretación, en compañía de Dorsey, del tema I'll never smile again, cuya gran repercusión puede considerarse el punto de partida de la carrera de Sinatra como fenómeno social. Después grabó varias canciones más que fueron también grandes éxitos de ventas. En 1941 participó por primera vez en una película, Las Vegas nights, de Ralph Murphy, actuando junto con la orquesta de Dorsey.

Sin embargo, simultáneamente a su éxito popular, llegó también la atención periodística, con fuertes críticas sobre su calidad como vocalista, y las disputas con Tommy Dorsey, que provocaron su salida de la orquesta en 1942 de una manera nada amistosa, ya que Dorsey negoció una rescisión de contrato que le garantizaba una tercera parte de los beneficios futuros del cantante en régimen vitalicio. No sería hasta varios años después que Sinatra conseguiría eliminar esa cláusula de rescisión.[7]

El 30 de diciembre de 1942 tuvo lugar uno de los momentos en la vida de Frank Sinatra que contribuyeron a la creación del mito; el propio cantante señaló que fue ese día 'cuando se armó la de Dios'. Subido al escenario del Teatro Paramount de Nueva York, como estrella invitada de una gala en que Benny Goodman era la estrella, estalló una histeria colectiva entre las espectadoras que daría mucho que hablar. A partir de ahí, Sinatra se convirtió en un fenómeno de quinceañeras, de las que tenía que escapar en las circunstancias más inverosímiles. Por ejemplo, casi un año después, el 12 de octubre de 1943, durante su nueva actuación en el Paramount 40.000 fans colapsaron por completo las calles colindantes al teatro. Los clubes de fans y los contratos se multiplicaron: programa de radio, contrato cinematográfico de la RKO y portada de la revista Life. A finales de 1943, Sinatra, que había firmado un contrato con Columbia Records, ganaba un millón de dólares al año.

En 1944 comienza su éxito como fenómeno radiofónico con el programa El show de Frank Sinatra que, en distintas emisoras, se mantendría en antena durante catorce años. Paralelamente, expresa su admiración y su apoyo a Franklin D. Roosevelt y realiza una generosa aportación al partido demócrata. Es el comienzo de un continuado interés por la política comprometida, más allá de ideologías, por cuanto también llegaría a ser buen amigo de los Reagan. En este sentido, Sinatra estaba convirtiéndose en un acérrimo defensor de las causas sociales. Dejó una impronta significativa al respecto en una de sus primeras películas, una especie de cortometraje en torno al tema de la tolerancia titulado The house I live in, que le valió un Óscar especial en 1945.

No obstante, y a pesar de las buenas críticas que solía recibir, las primeras incursiones de Sinatra en el cine no fueron bien recibidas, ya que sus tendencias políticas y su problemática vida sentimental le granjearon numerosas reticencias entre la prensa y el público. Cuando sus escarceos amorosos (se le relacionó con Lana Turner y Marilyn Maxwell) salieron a la luz pública, sus admiradores se quedaron perplejos, ya que la maquinaria publicitaria que le acompañaba intentaba sistemáticamente ofrecer de él una imagen de feliz hombre casado y con hijos. Este giro en la apreciación popular provocó que hacia 1949 Sinatra empezase a entrar en declive, pasando a ocupar el quinto puesto en la encuesta de popularidad de Downbeat. En 1950, su asesor de prensa, George Evans, muere de un infarto y sin él sus amoríos se convierten en escándalos pregonados por los medios de comunicación, con los periodistas acechándole continuamente. En febrero de ese año, tras corroborarse su relación con la actriz Ava Gardner, Nancy se separa de él. Además, el 2 de mayo se ve obligado a cancelar todas sus galas tras sufrir un grave problema faríngeo en una actuación.

El 1 de noviembre de 1951, con su carrera atravesando serias dificultades, su popularidad descendiendo continuamente, el fracaso de sus películas y cantando una música que se había quedado anticuada, obtiene el divorcio de Nancy. Al día siguiente él y Ava solicitan la licencia de matrimonio en Filadelfia, casándose el 7 de noviembre. Comienzan así una relación caracterizada por sus numerosas separaciones y reconciliaciones en público. En 1953 Ava Gardner abortó intencionadamente por segunda vez por no sentirse preparada para er madre. La pareja se divorciaría en 1957.

En los siguientes años, con Mitch Miller, de la Columbia Records, a menudo se vería limitado a grabar canciones de calidad discutible y que tuvieron muy poco éxito. Cuando el contrato de Sinatra con la Columbia expiró, no fue renovado y ninguna otra casa discográfica de renombre quiso contratarlo.

1954-1959 [editar]

Sinatra peleó y se sacrificó económicamente para obtener un papel en la película de Fred Zinnemann De aquí a la eternidad. No sólo obtuvo el papel sino que además recibió un Óscar por él en 1954 en la categoría de mejor actor secundario. Además, la película fue un éxito en taquilla.

De inmediato empezaron a lloverle ofertas para interpretar papeles en cine y televisión e intervenir en apariciones estelares. Artísticamente, tuvo un gran éxito de crítica con su interpretación en Suddenly y empezó a alternar papeles dramáticos con musicales, como por ejemplo Ellos y ellas con Marlon Brando y Alta sociedad con Bing Crosby. En poco más de dos años, entre 1955 y 1957, llegó a protagonizar once películas. En 1956 fundó la productora Kent Productions para respaldar sus proyectos cinematográficos.

En cuanto a su carrera musical, Alan Livingston, de la joven Capitol Records, anunció en una reunión en 1953 la contratación de Sinatra, algo que fue recibido entre el personal de la compañía con desaprobación, pues se consideraba al cantante como un artista acabado. Sin embargo, apoyado por el nuevo director de orquesta y arreglista Nelson Riddle, que supo adaptar las canciones al estilo interpretativo de Sinatra, la carrera del cantante en Capitol se convirtió en un éxito absoluto, devolviéndole al primer plano del mundo de la música.

En 1954 se empezó a consolidar su amistad con Sammy Davis, Jr., a raíz del accidente que le provocó la pérdida del ojo izquierdo; Sinatra lo tomó bajo su protección y le defendió de cuanta discriminación por motivos raciales le pudiese afectar.

Por estos años, el actor Humphrey Bogart tenía un grupo de amigos íntimos a los que él y su esposa, la también actriz Lauren Bacall, se referían como Rat Pack ("pandilla de ratas"). Sinatra, al que se había nombrado líder de la pandilla, Dean Martin, Peter Lawford, Sammy Davis, Jr., Judy Garland y su marido, Sid Luft, David Niven y su esposa, Hjordis, y otras estrellas formaron parte, en un momento u otro, de este grupo de estrellas contestatarias a las que les gustaba beber, ir de juerga y meterse en líos.

En agosto de 1955 fue portada de la revista Time, que afirmaba que "en la actualidad, es lo mejor del mundo del espectáculo... A punto de cumplir los cuarenta, ha encaminado una segunda carrera que promete ser incluso más brillante que la primera". La producción de Sinatra a mediados de los años cincuenta abarca varios discos y películas memorables, así como unos ingresos que se han cifrado en casi cuatro millones de dólares al año. En 1957 la cadena ABC empezó a emitir The Frank Sinatra Show, un espacio dotado con un gran presupuesto que incluía un espectáculo musical de una hora de duración y una representación dramática de media hora.

Sus relaciones amorosas durante estos años incluyen a Judy Garland, Kim Novak y Lauren Bacall, a quien llegaría a pedir en matrimonio en 1958 para finalmente romper él mismo el compromiso.

A finales de los cincuenta, Sinatra empezó a querer liberarse a toda costa de su contrato de grabación con la Capitol, ya que consideraba que ponía demasiados obstáculos a su forma de grabar. Él quería hacerlo a su manera: seleccionar sus propias melodías, grabar cuando quisiese, programar el lanzamiento de sus discos para las fechas en que consideraba que debían estar en las tiendas e incluso adelantarse a los demás artistas. Sin embargo, tenía claro que nunca podría llevar a cabo esas actividades mientras siguiese trabajando para un sello que no le pertenecía. Finalmente, firmó un acuerdo mediante el cual terminaría su contrato con la Capitol y empezaría a grabar con su propia compañía, Reprise, simultáneamente.

1960-1972 [editar]

Frank Sinatra (derecha) con Eleanor Roosevelt (1960)
Frank Sinatra (derecha) con Eleanor Roosevelt (1960)

En 1960, anunciada ya la formación de su nueva discográfica, con la que grabaría profusamente durante los años siguientes, Sinatra ganó unos veinte millones de dólares gracias a sus productoras de cine y televisión, Essex, Kent y Dorchester, sus cuatro empresas discográficas, sus intereses en el juego en Las Vegas y Lake Tahoe, sus acciones en radio y sus muchas inversiones inmobiliarias.

La noche del 19 de enero de 1961 fue, en lo personal, una de las más importantes de su vida al producir con enorme éxito la gala inaugural de la presidencia de John F. Kennedy. En ese mismo año inició una relación sentimental con la actriz Marilyn Monroe que, debido al proceso autodestructivo al que se fue sometiendo la actriz, terminó pronto por derivar en una relación de dependencia anímica de ésta hacia el cantante. En febrero de 1962, Sinatra anunció que iba a casarse con Juliet Prowse, actriz, bailarina y cantante de veintiséis años de edad, a la que había conocido en agosto de 1959 y con la que había estado saliendo desde hacía diez meses. Sin embargo, el compromiso, por razones no aclaradas, terminó por romperse.

Sinatra junto a Laurence Harvey en "The Manchurian Candidate"
Sinatra junto a Laurence Harvey en "The Manchurian Candidate"

En marzo de ese mismo año se grabó el famoso programa de televisión donde Sinatra y Elvis Presley aparecieron juntos. Frank pagó 100.000 dólares a Elvis por diez minutos de actuación, que incluía una canción cantada a dúo. En verano el cantante inició por Europa la llamada Gira mundial a beneficio de los niños, durante la que Sinatra visitó diversos hospitales infantiles y centros de atención a los jóvenes en varios países. En diez semanas financió personalmente treinta conciertos y recaudó más de un millón de dólares. A la vuelta de la gira, la vida de Marilyn Monroe empezó a deteriorarse y entre el 27 al 29 de julio, una semana antes de su muerte, estuvo alojada en el Cal-Neva Lodge, un complejo residencal que era en parte de Sinatra.

A finales de 1963 sus relaciones con la mafia conllevaron que el Consejo de Control del Juego del Estado de Nevada presentara cargos contra Sinatra por haber alojado en Cal-Neva al mafioso Sam Giancana; para evitarse problemas, él mismo anunció que renunciaba a su licencia de juego y a Cal-Neva, lo que también significaba la pérdida de su participación del nueve por ciento en los intereses del casino Sands de Las Vegas, lugar de reunión y actuación habitual del Rat Pack.

El 8 de diciembre de ese mismo año, tres hombres, Barry Keenan, Joe Amsler y John Irwin, secuestraron a su hijo Frank, también cantante. El secuestro duró cincuenta y cuatro horas y se resolvió debido a las desavenencias que surgieron entre los propios secuestradores, detenidos dos días más tarde.

En octubre de 1964, durante el rodaje de El coronel Von Ryan, conoce a la actriz Mia Farrow, de 19 años de edad, que estaba trabajando en el rodaje de la serie de televisión Peyton Place. Se casaron dos años después, el 19 de julio de 1966, y trece meses más tarde terminaron sus trámites de divorcio.

En el verano de 1965, Sinatra inició una gira de conciertos por seis ciudades con la orquesta de Count Basie. La gira fue un éxito espectacular, logrando una recaudación total de 600.000 dólares. En enero de 1969 fallece su padre como consecuencia de un aneurisma aórtico. Por esa época, Sinatra empezó a tener problemas con su mano derecha: una disfunción conocida como enfermedad de Dupuytren, que consiste en una disminución del tejido muscular de la mano. En 1970 tendría que someterse a una intervención quirúrgica por este motivo.

Ese mismo año, el 17 de febrero, Sinatra tuvo que declarar bajo juramento ante la Comisión Investigadora del Estado de Nueva Jersey, que le había enviado una citación para que compareciera ante ellos y respondiera a ciertas preguntas sobre su relación con los bajos fondos. Negó cualquier vínculo con ellos. El 9 de julio anunció públicamente su apoyo al republicano Ronald Reagan, que aspiraba a un segundo mandato como gobernador de California.

El 13 de junio de 1971 celebró su concierto de despedida del mundo de la música en el Los Ángeles Music Center.

El 18 de julio de 1972 hubo de declarar ante la Comisión investigadora sobre el crimen, que había estado investigando la influencia del crimen organizado sobre los deportes y las carreras de caballos. El House Select Committee on Crime quería interrogar a Sinatra acerca de una inversión de 55.000 dólares en Berkshire Downs en Hancock (Massachusetts) diez años atrás.

Durante ese año conoció a Barbara Marx, esposa de Zeppo Marx, con la que finalmente se casaría.

1973-1998 [editar]

Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood
Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood

En junio de 1973 Sinatra volvió a los estudios de grabación con el productor-arreglista Don Costa y el arreglista Gordon Jenkins para grabar Ol'Blue eyes is back, disco que salió al mercado junto a un especial televisivo del mismo título, en el que participó el actor y cantante Gene Kelly, emitido el 18 de noviembre de 1973.

En julio de 1974 inició una gira por Extremo Oriente, cinco países de Europa y Australia. A finales de año, su relación con Bárbara terminaba. Tras algunos intentos de entablar una relación estable con otras mujeres, entre las que estaba Jacqueline Kennedy, Sinatra y Bárbara se volvieron a unir.

El 1 de abril de 1976 Sinatra actuó en el Westchester Premier Theater. Tras la actuación, se realizó una sesión fotográfica de la que surgirían las famosas fotos en las que el cantante aparece con varias figuras del crimen organizado, incluyendo a Jimmy Fratianno y Carlo Gambino.

Contrajo finalmente matrimonio con Barbara Marx el 11 de julio de 1976 en Sunnylands, una finca de Walter Annenberg en Palm Springs.

El 9 de enero de 1977, la madre de Sinatra, Dolly, falleció tras un accidente de avión en San Gorgonio Mountain, en California del Sur. Su muerte tuvo un profundo efecto en él, regresando al catolicismo de su juventud.

Durante ese año Sinatra produjo y actuó en su primera película para televisión, Contract On Cherry Street.

En Las Vegas, celebrando sus cuarenta años como artista y su sesenta y cuatro cumpleaños, fue galardonado con el Grammy Trustees Award durante una fiesta especial en el Caesar's Palace.

Durante la década de los ochenta, Sinatra se mostró muy activo en cuanto a conciertos. Fue especialmente memorable el dado en el estadio de fútbol de Maracaná ante 175.000 personas. También pulverizó un récord que había durado noventa años en el Carnegie Hall, donde debía actuar durante dos semanas, al poner el cartel de "no hay entradas" en un solo día.

Durante la campaña presidencial de 1980, apoyó incansablemente a Ronald Reagan: consiguió recaudar más de 250.000 dólares, asistió a la Convención Republicana de Detroit durante la que se nominó a Reagan y, cuando éste fue elegido presidente, fue nombrado director de la gala inaugural celebrada el 19 de enero de 1981 en el Capitol Center de Maryland. Ese mismo año estrena su última película, El primer pecado mortal.

El 11 de febrero de 1981 declaró en los despachos del Ayuntamiento de Las Vegas con el objeto de que se le concediera una licencia de juego, la cual obtuvo.

En diciembre de 1987, Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr. dieron una rueda de prensa en Beverly Hills para anunciar públicamente una gira por todo el país. Las entradas se agotaron en cada una de la veinticinco ciudades que integraban la gira mucho antes de la fecha del concierto; la gira tuvo que realizarse en su mayor parte sin Martin, que no pudo resistir la reciente pérdida de su hijo.

En 1989 emprendió una gira mundial junto con Davis y Liza Minnelli, aparte de seguir con numerosas actuaciones individuales. A finales de años a Sammy Davis Jr. se le diagnosticó un cáncer de garganta, que finalmente acabaría con su vida el 16 de mayo de 1990. El 24 de enero había muerto Ava Gardner. Aun así, ese mismo año comenzó una gira, que se prolongaría a lo largo de todo 1991, en compañía de Steve Lawrence y Eydie Gorme, para celebrar sus cincuenta años en el mundo de la música. La gira agotó todas la localidades. La memoria del cantante, no obstante, empezaba a fallar y las cataratas que había desarrollado en los dos ojos le impedían leer correctamente las cuatro pantallas situadas al borde del escenario. Aun así, y a pesar de su edad, el programa de giras de Sinatra entre 1991 y finales de 1994 fue extraordinario, actuando prácticamente todas las semanas para públicos entusiastas de todo el mundo. Su fortuna en 1991 ascendía, según Forbes, a 26 millones de dólares.

1993 sería el año en que volvería a hallarse en lo más alto de las listas con su primer álbum en diez años, Duets, con trece canciones grabadas a dúo con algunos de los cantantes más populares del momento, como Bono, del grupo U-2, Julio Iglesias o Liza Minnelli. El disco, para cuya grabación Sinatra nunca estuvo en el estudio con ninguno de sus compañeros, pues sus respectivas partes se grabaron por separado, fue un gran éxito y vendió millones de copias, alcanzando el número 1 en el Billboard. En 1995 saldría Duets II y ese mismo año recibió un premio por toda su vida profesional en la entrega de los Grammy.

El 25 de febrero de 1995 ofreció el que sería su último concierto en el Desert Springs Resort and Spa del hotel Marriott, en una fiesta privada de unas mil doscientas personas celebrada el último día del torneo de golf Frank Sinatra Desert Classic. A finales de año, Dean Martin moría y el cantante se sumió en una profunda depresión.

En noviembre de 1996, un mes después de su última aparición pública en el baile benéfico del Carousel en Los Ángeles, ingresó en el hospital, así como dos veces más en enero de 1997, apareciendo en titulares de prensa y reportajes de todo el mundo. A finales de abril de ese año el Congreso de Estados Unidos votó conceder a Sinatra la Medalla de Oro del Congreso a propuesta del diputado demócrata de Nueva York, José E. Serrano.

Murió el 14 de mayo de 1998 a los 82 años, a consecuencia de un ataque al corazón.

Relevancia pública y aspectos polémicos [editar]

Vida privada [editar]

La inmensa popularidad de Sinatra, ya desde los mismos inicios de su carrera artística durante los años 40, condicionaron por completo su vida, tanto en el ámbito privado como en el ámbito público. En primer lugar, transtornó su vida familiar.

Sinatra se había casado en 1939 con Nancy Barbastro. Los continuos viajes del cantante posibilitaron su infidelidad casi desde el comienzo del matrimonio, aun cuando llegaron a tener tres hijos (Nancy, Frank y Tina). Aunque Sinatra intentó mantener una imagen pública a través de los medio de hombre familiar, la situación se hizo tan insostenible para ella que en San Valentín de 1950 Nancy anuncia su decisión de separarse definitivamente de él, debido a que sale a la luz la relación que mantenían su marido y Ava Gardner. La anulación del matrimonio llegaría el 31 de octubre de 1951, y poco después La Voz y El animal más bello se casaron. Su luna de miel la hicieron en Cuba, hospedándose en el hotel nacional de la Habana. A pesar de esta ruptura y de las razones para la misma, a lo largo de los años ella jamás le hizo el más mínimo reproche público a Sinatra. A su vez, Sinatra jamás le dio la espalda a ella ni a sus hijos.

Frank siempre la llamó su "sweetheart" (mi vida) y confió en ella totalmente. "Ella es la única mujer que me comprende", decía a sus amigos. Nunca dejó de quererla, pero nunca volvió con ella.[8]

Su relación con Ava Gardner, la que mejor materializa sus relaciones sentimentales públicas, fue extraordinariamente problemática. Profundamente enamorados uno del otro, con una carga erótica muy palpable, el choque de caracteres destruyó la relación. Sinatra sufrió en sus propias carnes lo mismo que había sufrido su mujer Nancy por sus infidelidades: Ava Gardner no solo era una actriz inmensamente popular sino que su belleza y deseo sexual eran harto conocidos: plagada de celos, peleas violentas, borracheras de uno y del otro, e incluso intentos de suicidio por parte de Sinatra, la relación se fue al traste con dos abortos de ella por el medio. El 27 de octubre de 1953 decidieron separarse, provocando una tercera intentona de suicidio que fue impedida por un amigo del cantante.

Al divorciarse de Ava encontró un gran apoyo en Marilyn Monroe, que también se había separado de su marido Joe DiMaggio. Se hicieron muy amigos e incluso Monroe se fue a casa de Sinatra a vivir un tiempo cuando ya su suicidio andaba cerca.

El magnetismo de Sinatra se materializó públicamente en la formación espontánea de un grupo de amigos al que Lauren Bacall, denominó "Rat Pack" o también "Clan Sinatra". Esta banda estaba compuesto por multitud de actores y actrices, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford, Joey Bishop, Shirley MacLaine, David Niven, Humphrey Bogart, quien diría:" Nos admirábamos mutuamente y no necesitábamos nada más".

Eran famosas las fiestas y orgías de este grupo, siempre acompañadas de mucho alcohol, drogas y prostitutas. Frank era el "Pack master", por lo que era admirado y respetado por el resto de "Packers".

Se casó por tercera vez con la actriz Mia Farrow en 1966, pero el enlace solo duraría 2 años, así que se casó una cuarta y última vez con Barbara Marx (ex-mujer de Zeppo Marx) en 1976.

Relaciones con la mafia [editar]

Uno de los aspectos de la vida de Sinatra más criticados y que más problemas le dio en vida (llegó a testificar en una comisión de la Cámara de Representantes al respecto el día 18 de julio de 1972) fue el de sus relaciones con la mafia. Los datos al respecto son los siguientes: en primer lugar, las relaciones de Sinatra con la Mafia fueron ciertas (fue amigo, por ejemplo, del mafioso Sam Giancana); segundo, Sinatra no fue un mafioso (no se ha podido presentar ninguna prueba de que hubiese estado involucrado en ninguna actividad ilegal en colaboración con delincuentes); tercero, sus relaciones con la mafia fueron una consecuencia de su proyección como cantante, algo que le llevó a contactar con quienes dominaban las grandes salas de conciertos de EEUU y a valerse de su apoyo (llegó a trabajar para Giancana en numerosos clubes nocturnos).

Sinatra y Kennedy [editar]

El senador John F. Kennedy, candidato a la presidencia de los Estados Unidos, era admirador del Rat Pack y de Sinatra, quien se metió de lleno en la campaña electoral de Kennedy en 1959 cuando se decidió por vez primera que Kennedy presentaría su candidatura a presidente. Sinatra se comprometió porque sentía gran respeto por su política. Joseph P. Kennedy, padre del candidato, le pidió a Sinatra que actuara en una serie de conciertos con el fin de recaudar fondos para la campaña. También quería que Sinatra se pusiese en contacto con sus amigos influyentes del mundo del espectáculo para lograr el apoyo de éstos a Kennedy. Le sugirió que grabase un tema para la campaña y acordaron realizar una nueva versión de la canción High Hopes.

Como devoto [[Partido Demócrata de los Estados Unidos|demócrata, Sinatra hizo campaña a favor de Kennedy de manera incansable, recaudando fondos en conciertos y cobrando antiguos favores.

La relación de Sinatra con los Kennedy entró en conflicto en marzo de 1960, cuando Frank decidió contratar a Albert Maltz para que escribiera el guión de The Execution of Private Slovik, la historia del único soldado estadounidense ejecutado por deserción desde la guerra civil, que Sinatra pensaba dirigir y producir. Maltz estaba en la lista negra por ser uno de los diez de Hollywood que se habían negado a cooperar con el Comité de Actividades Antiamericanas. La polémica contrarió a Joseph P. Kennedy, sobre todo cuando los cardenales de Nueva York y Boston le comentaron que el apoyo de Sinatra a Maltz podría dañar la carrera de su hijo en los sectores católicos. Sinatra tuvo que despedir a Maltz y continuó su campaña por los Kennedy mediante actuaciones, donaciones y también contratando un detective privado para descubrir asuntos turbios de Richard Nixon.

John F. Kennedy intentó distanciarse de Sinatra después de ser nominado pero, como le comentó Pierre Salinger (jefe de prensa de Kennedy) a un votante, Sinatra y sus amigos habían ayudado al Partido Demócrata a recaudar 1.300.000 dólares para eliminar el déficit de la campaña, y ésa había sido una ayuda inestimable. En este sentido, una vez elegido presidente, se le pidió a Sinatra y a Peter Lawford que produjeran el baile preinaugural del mandato presidencial.

Carrera musical [editar]

El primer registro sonoro que existe de Sinatra es del 8 de septiembre de 1935 en una grabación radiofónica de la canción titulada Shine (en la versión de los Mills Brothers) con el grupo vocal al que pertenecía, los Hoboken Four, que participaba en el popular programa Major Bowes Amateur Hour.

La carrera musical de Sinatra se puede dividir en tres etapas:

  • la primera etapa sería la de los años 40, en la que se produce su evolución de cantante de orquesta (de las de Harry James y Tommy Dorsey) a cantante solista para Columbia, habitualmente con una orquesta dirigida por Axel Stordahl.

Sobre el arranque de su carrera musical, la crítica ha dicho:

Sinatra, al igual que otros coetáneos, estaba sustituyendo el carácter sincopado del jazz de Nueva Orleans por un modo de cantar acorde con el compás de cuatro tiempos de la era del Swing; pero en otro sentido, (...) se hacía eco del estilo belcantista italiano, que había quedado arrinconado tanto en el mundo del canto lírico, a causa de las tendencias veristas, como en el mundo de la canción popular, surgido en la opereta y el vodevil. Con la ayuda del micrófono, y tras la enseñanza pionera de Crosby, Sinatra recuperó un modo sutil de cantar, sin estridencias, respetando el texto, atento a las inflexiones, con sentido del rubato, vocalizando con gran cuidado y evitando cubrir las notas más agudas para preservar la naturalidad de la emisión.[9]

  • la segunda etapa, la más elogiada, es su época como cantante para Capitol, que abarca la década de los 50; fue un periodo fundamental en su vida en todos los aspectos y supuso su consagración absoluta como número uno de la canción popular. La importancia de la colaboración de arreglistas como Nelson Riddle y otros fue esencial para transformar el sonido de Sinatra en uno más moderno alejado del de su época anterior.
  • la tercer etapa, y última, es la de su salida de Capitol para gestionar una compañía discográfica propia, Reprise. Esta etapa está marcada por su supervivencia como artista en medio del surgimiento y consolidación del rock and roll.

Vocalista de la orquesta de Harry James (1939) [editar]

Frank Sinatra grabó en 1939 diez canciones con la orquesta del trompetista Harry James para Brunswick y Columbia: "From the Bottom of My Heart" (grabada para Brunswick el 13 de julio en la que sería su primera grabación en un estudio), "Melancholy Mood", "My Buddy", "It's Funny to Everyone but Me", "All or Nothing At All", "On a Little Street in Singapur", "Ciribiribin", "The Hucklebuck", "Our Love" y "Castle Rock".

Al igual que ocurriría con la orquesta de Tommy Dorsey, el vocalista es, en estos casos, un elemento más de la orquesta, en la que, de sobresalir alguien, ése era su líder, en ambos casos los trompetistas que daban nombre a la misma. Lo normal en estas canciones es que, tras una introducción trompetística del tema, Sinatra entraba con la letra y luego iba alternando con las intervenciones de la orquesta.

La voz de Sinatra en estas interpretaciones es, como corresponde a su edad, muy limpia. Su especial cualidad para la perfección en el fraseo es ya manifiesta. Las interpretaciones son, sin embargo, poco proclives a exhibiciones técnicas, pues el vocalista estaba obligado a ajustarse al tono de la música orquestal, un tono muy suave y pausado, muy melódico, al servicio del baile en pareja. Las letras, por lo demás, son muy sencillas.

No obstante lo anterior, muchos de estos temas llegaron a ser enormemente populares. Los múltiples recopilatorios que se editan de la obra de Sinatra incluyen sistemáticamente canciones de esta etapa como Melancholy Mood o All or Nothing At All.

La importancia para Sinatra de esta etapa con Harry James ha sido caracterizada en los siguientes términos:

"Durante los seis meses que pasó con Harry," ha explicado Louise Tobin, "Frank aprendió más sobre la música que en todos los años de su vida hasta ese momento." (...) Si Dorsey le habría de sugerir el método para frasear las canciones, James le proporcionó un modelo de cómo presentarlas con un envoltorio emocional. También de James, Sinatra podría haber aprendido a mezclar la ternura del pop con la invectiva de raíz blusística, a swinguear y a relacionarse con la orquesta, a personalizar una melodía y a hipnotizar a la audiencia.[10]

Vocalista de la orquesta de Tommy Dorsey (1940-1942) [editar]

Sinatra se unió a Tommy Dorsey en enero de 1940, tras haberle fracasado a este la sustitución de su cantante Jack Leonard por el barítono Allan DeWitt. La primera grabación de Sinatra con la orquesta de Tommy Dorsey es del 1 de febrero de 1940 para el sello Victor (su primera actuación registrada es del 25 de enero en Rockford, Illinois) y la última de enero de 1942.

Si Sinatra tuvo alguna influencia continuada y subyacente a la hora de crear su propio estilo, ésta fue la de Tommy Dorsey (su dominio, por ejemplo, en el control de la respiración era proverbial, por lo que Sinatra intentó emularlo con la voz).

Dorsey (...) fue una inspiración para Sinatra: su presencia, perfeccionismo musical y perspicacia para los negocios fueron cualidades que él mismo desarrollaría. (...) Y el virtuosismo melódico de Dorsey, su tono limpio y su pulcro fraseo fueron importantes influencias en la evolución del inicial estilo vocal de Sinatra.[11]

Su etapa con Dorsey supone un cambio importante para Sinatra. Respecto de la orquesta de Harry James, muy vinculada a un swing directamente encaminado a un público joven, la orquesta de Dorsey es más pausada: su repertorio son las baladas y el toque de la orquesta es relajado y preciso. Consecuentemente, el vocalista consigue situarse en un primer plano, si no absoluto, cuando menos ya no como simple acompañamiento de la orquesta, como ocurría con Harry James. Dicho de otra forma, con la orquesta de Tommy Dorsey es cuando Frank Sinatra se convierte definitivamente en un vocalista, con unas características propias y bien definidas, que ya nunca le abandonarían: fraseo preciso e interpretación subjetiva de las letras. Dorsey transmitió al joven cantante

el concepto de interpretar una melodía de tal manera que pudiese ser inmediatamente reconocida, al tiempo que estuviese tan personalizada que sonase como una creación hecha por o para el intérprete.[12]

Por lo demás, el color de la voz se había tranformado a una tonalidad más oscura y la agresividad interpretativa había dejado paso a una rendición de las canciones mucho más controlada.

Responsables directos de este protagonismo de Sinatra lo tiene los arreglistas, fundamentales de aquí en lo sucesivo en la carrera de Sinatra: Axel Stordahl, Sy Oliver, Paul Weston, etc.

No obstante, el principal factor que propicio la proyección de Sinatra a una popularidad nacional fue la regular intervención de la orquesta de Dorsey en programas de radio. Un espectáculo semanal de la NBC llamado Fame and Fortune, que estuvo en antena de octubre de 1940 a abril de 1941 y que presentaba a la orquesta tocando temas de compositores aficionados, fue escuchado por millones de personas.

En mayo de 1941, Sinatra había desplazado a Crosby en la lista de los mejores cantantes masculinos de las revistas Billboard y Down Beat.

Canciones populares de esta etapa son I'll Never Smile Again (el mayor éxito), Fools Rush In, Stardust, Everything Happens To Me, This Love of Mine, I'll Be Seeing You, This Is The Beginning of The End, East of The Sun, Without a Song, Blue Skies, Violets For Your Furs, The Night We Called It A Day, The Song Is You y Night And Day (clásico este último de Cole Porter que Sinatra grabaría en multitud de ocasiones).

La etapa COLUMBIA (1943-1952) [editar]

Las grabaciones de Frank Sinatra para la compañía discográfica Columbia suponen su consolidación como intérprete: la calidad del material sobre el que trabaja y el momento excepcional por el que pasaba su voz, convierten a este periodo en un rival de la etapa Capitol para muchos aficionados.

El logro básico de Sinatra en este periodo consiste en haberse convertido en el representante por antonomasia de la interpretación de la música popular estadounidense y, consecuentemente, en una figura de una influencia extraordinaria en el ámbito de la canción internacional.

Es característico de esta etapa el uso de varios violines en la orquesta, en contraposición a su etapa anterior de cantante de orquestas de baile donde eran menos usados. Idea de su arreglista Axel Stordahl, el uso de las cuerdas ayudó a crear una atmósfera más sensual que rompía con su anterior estilo.

El estilo y tono es un progresión del de la etapa anterior: Sinatra es un cantante melódico especializado en letras románticas, interpretadas con la suficiente expresividad y atención como para hacer de esas canciones algo propio.

La etapa CAPITOL [editar]

El Sinatra de Capitol tiene un sentido del ritmo apenas anunciado antes, un swing que ha sabido desembarazarse de convenciones retórica y que puede adoptar un gran ímpetu sin renunciar al cuidado del fraseo y la dinámica. (...) El estudio obsesivo de Mabel Mercer y sobre todo de Billie Holiday, a quien viene siguiendo desde finales de los treinta, le han facultado además para la interpretación de baladas verosímiles en toda su gama emocional.[13]

Los discos de Frank Sinatra para la discográfica Capitol constituyen la parte más valorada por crítica y público de su producción músical. Se trata, además de recopilatorios y de un disco navideño, de un conjunto de 15 álbumes originales realizados entre 1953 y 1961.

El trabajo de Sinatra para Capitol se materializó en la explotación de las posibilidades del relativamente nuevo formato del LP, creando álbumes conceptuales a partir de la agrupación de canciones vinculadas bien por el tena bien por el tono (relajado, swingueante, romántico, etc.), utilizando para ello el corpus de las grandes canciones populares de los años 30 y 40.

Sinatra aprovechó al máximo las posibilidades del LP, imbuyendo a la sucesión de canciones de un argumento coherente y superior. (...) En buena parte se le debe la definitiva consolidación del repertorio estándar.[14]

A pesar de contar con productores propios de la casa discográfica, Sinatra se comportó durante todas las grabaciones como el auténtico productor, tomando continuamente decisiones sobre las tomas más adecuadas para ser finalmente incorporadas a los discos y sugiriendo a los arreglistas posibles mejoras en su trabajo.

Con todo, el gran artífice de la consolidación de Sinatra durante este etapa fue el arreglista y director orquestal Neslon Riddle, responsable de la creación de un nuevo sonido y estilo para el cantante. Otros arreglistas importantes fueron Gordon Jenkins y Billy May.

La etapa REPRISE [editar]

La etapa de los años Reprise, de 1961 a 1991, coinciden con numerosos problemas para Sinatra en distintos ámbitos: musical (con la irrupción demoledora de los Beatles y del pop en general), política (con sus relaciones con Kennedy), personales (problemas legales en Las Vegas, el secuestro de su hijo...) además de con su constante actividad cinematográfica y musical. Esta variada y compleja problemática biográfica se refleja de alguna manera en su carrera musical de estos años.

La discografía de esta última etapa ha recibido una desigual consideración por parte de la crítica. Básicamente, en comparación con sus anteriores dos etapas, la etapa Reprise se caracteriza por la variedad de estilos ensayados, que dan lugar a una sucesión de álbumes de dificil consideración homogénea:

-en primer lugar, están los discos que intentan conectar con el nuevo gusto del consumidor de música, ya sea con una música que retoma la orquestación swing para aproximarse al pop del momento: por ejemplo, Ring-A- Ding Ding! (1961), ya con canciones con una letra y una música que, aunque de factura clásica, intentan sonar un poco más modernas que la de la etapa Capitol: Strangers in the Night (1966).
-en segundo lugar, discos planteados desde un punto de vista clásico, que los conecta directamente con la etapa Capitol: por ejemplo, I Remember Tommy (1961), All Alone (1962) y sus colaboraciones con Count Basie, Duke Ellington y Antonio Carlos Jobim.
-en tercer lugar, discos que se podrían llamar experimentales, en el sentido de planificados al margen de toda moda y toda tradición: por ejemplo, Moonlight Sinatra (1966), Watertown (1970) y Trilogy (1980).

El resultado va de éxitos incontestables tanto en lo comercial como en lo especializado como Septembers Of My Years, 1965, al extraordinario e inesperado éxito comercial de sus dos discos de Duets, vilipendiados por la prensa especializada, pasando por canciones como "My Way" y "Strangers in the Night" que pasaron a convertirse en temas clásicos en el repertorio del cantante.

Discografía [editar]

Filmografía [editar]

Homenajes musicales a Sinatra [editar]

Premios de la Academia [editar]

Año Categoría Película Resultado
1953 Oscar al mejor actor de reparto De aquí a la eternidad Ganador
1955 Oscar al mejor actor El hombre del brazo de oro Candidato

Referencias [editar]

  1. Cf. Will Friedwald, Sinatra! The Song Is You: A Singer's Art, pág. 22.
  2. "Sinatra's vocal range extends all the way up to the stratospheric falsetto note (...) a very high F (two F's above middle C)." Will Friedwald, Sinatra! The Song Is You: A Singer's Art, pág. 19.
  3. "Sinatra's most appealing talent may be his capacity for emotional expressiveness." Will Friedwald, Sinatra! The Song Is You: A Singer's Art, pág. 18.
  4. Will Friedwald, Sinatra! The Song Is You: A Singer's Art, pág. 22 ["With Sinatra, all vocal considerations -and even all musical considerations- come second to his fundamental mission, which is to tell a story in the most expressive way possible".
  5. Cf. Will Friedwald, Sinatra! The Song Is You: A Singer's Art, pág. 26.
  6. Cf. Will Friedwald, Sinatra! The Song Is You: A Singer's Art, pág. 62, nota 2.
  7. El asunto, más allá de los rumores sobre una posible intermediación mafiosa, se resolvió cuando Jules Stein, jefe de la agencia MCA, que pretendía representar a Sinatra, pagó una generosa cantidad de dinero a Dorsey para que liberase al cantante. Cf. Chris Ingham, The Routh Guide to Frank Sinatra, pág. 21.
  8. En Chris Ingham, The Rough Guide to Frank Sinatra, pág. 11 ["Frank always called her 'sweetheart' and trusted her completely. "She's the only woman who understands me", he told his friends. He never stopped loving her - but he never went back to her.
  9. Jorge García y Federico García Herráiz, Ellos y Ellas. Las grandes voces del jazz,Editorial La Máscara, Valencia, 1994, pág. 101
  10. Will Friedwald, Sinatra! The Song Is You: A Singer's Art, pág. 69 ["In six months with Harry," Louise Tobin explained, "Frank learned more about music than he'd ever known in his life up to that point. (...) If Dorsey suggestd methods of carrying or phrasing a tune, James provided a working model of how to pack an emotional wallop. From James, too, Sinatra could have learned how to intermingle popsong tenderness with blueslike invectiva, how to swing and how to give and take with an orchestra, how to personalize a melody, and how to mesmerize an audience.]
  11. Chris Ingham, The Rough Guide To Frank Sinatra, pág. 16 [Dorsey (...) was an inspiration to Sinatra: his presence, musical perfectionism and business acumen were qualities that he would develop himself. (...) And Dorsey's melodic virtuosity, smooth tone anda seamless phrasing were major influences on the evolution of Sinatra's early singing style.
  12. Will Friedwald, Sinatra! The Song is You, pág. 85.
  13. Jorge García y Federico García Herráiz, Ellos y Ellas. Las grandes voces del jazz,Editorial La Máscara, Valencia, 1994, pág. 103
  14. Jorge García y Federico García Herráiz, Ellos y Ellas. Las grandes voces del jazz,Editorial La Máscara, Valencia, 1994, pág. 105

Fuentes bibliográficas [editar]

  • Friedwald, Will, Sinatra! The Song Is You. A Singer's Art, Da Capo Press, 1997.
  • García, Jorge y Federico García Herráiz, Ellos y Ellas. Las grandes voces del jazz, Editorial La Máscara, Valencia, 1994.
  • Ingham, Chris, The Rough Guide To Frank Sinatra, Rough, Londres-Nueva York, 2005.
  • Irwin, Lew, Sinatra. Una vida en imágenes: 1915-1998, Ediciones B, Barcelona, 1998.
  • Taraborrelli, J. Randy, Sinatra. A su manera, Ediciones B, Barcelona, 1998.

Enlaces externos [editar]

Wikiquote



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Publicado por Vredondof para MODERNA el 1/18/2008 01:58:00 PM
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